Découvrez notre sélection hebdomadaire de films à regarder en streaming, dont La Bataille De Gaulle: J’écris ton nom , de Antonin Baudry.

Sur Sooner:

La Bataille De Gaulle: J’écris ton nom, de Antonin Baudry

Avec La Bataille De Gaulle – J’écris ton nom, Antonin Baudry clôt son diptyque historique avec une fresque spectaculaire, portée par un budget de plus de 30 millions d’euros. Plus ample et plus maîtrisé que le premier volet, le film retrace les grandes étapes de la France libre et des combats alliés entre 1939 et 1945. Simon Abkarian incarne un De Gaulle déterminé, tandis que Niels Schneider prête ses traits au général Leclerc. Le réalisateur accorde également une place importante aux résistants et aux figures militaires qui ont contribué à la victoire.

Entre scènes de guerre impressionnantes, photographie aux teintes orangées et montage rythmé, cette superproduction française mise sur le souffle épique et l’émotion. Sans se limiter à la figure du Général, Antonin Baudry met en lumière les hommes et les femmes qui ont participé à la libération du pays. Malgré quelques dialogues parfois appuyés, la réalisation témoigne d’une véritable ambition cinématographique et d’un souci du détail remarquable. Cette conclusion confirme la capacité du cinéma français à produire de grandes fresques historiques, spectaculaires et populaires.

Cotton Queen, de Suzannah Mirghani

Présenté à la Semaine internationale de la critique de Venise, Cotton Queen, premier long-métrage de fiction de la réalisatrice soudanaise Suzannah Mirghani, propose une œuvre sensible mêlant récit initiatique et réflexion politique. Dans un village cotonnier du Soudan, la jeune Nafisa grandit sous l’influence de sa grand-mère Al-Sit, gardienne de la mémoire et des traditions. Mais l’arrivée d’un homme d’affaires souhaitant développer la culture du coton génétiquement modifié bouleverse la communauté et fait ressurgir les tensions entre héritage, modernité et intérêts économiques. À travers le parcours de son héroïne, le film interroge l’émancipation des femmes et l’avenir d’une jeunesse tiraillée entre ses racines et ses aspirations.

Au-delà de cette histoire intime, Suzannah Mirghani aborde avec finesse les nouvelles formes de domination économique et la menace d’un néocolonialisme agricole. La relation entre Nafisa et sa grand-mère donne toute sa force au récit, en mettant à l’honneur la transmission et la place des femmes dans l’histoire collective. Porté par une photographie aux couleurs ocre et bleutées, ainsi que par des séquences oniriques, le film développe une atmosphère poétique qui contraste avec la dureté du quotidien. Cotton Queen donne ainsi une visibilité précieuse à la culture soudanaise et signe un portrait profondément humain d’une communauté confrontée aux bouleversements de son époque.

Sur CINE+OCS:

Eleonora Duse, de Pietro Marcello

Avec Eleonora Duse, Pietro Marcello signe un portrait romanesque et poétique de l’une des plus grandes figures du théâtre italien, éternelle rivale de Sarah Bernhardt. Incarnée avec une grande sensibilité par Valeria Bruni-Tedeschi, l’actrice apparaît au crépuscule de sa vie, affaiblie par la maladie mais toujours animée par une passion indéfectible pour la scène. À travers un récit mêlant fiction et images d’archives, le réalisateur retrace le parcours d’une artiste entière, qui a consacré son existence à son métier et profondément marqué l’histoire du théâtre moderne. Loin du biopic traditionnel, le film privilégie les émotions, les souvenirs et l’héritage artistique de cette femme d’exception.

Porté par une mise en scène élégante et une atmosphère d’une grande beauté visuelle, Eleonora Duse explore les liens entre art, mémoire et pouvoir politique, notamment à travers les rapports ambigus de l’actrice avec le régime de Mussolini. Valeria Bruni-Tedeschi livre une interprétation bouleversante, restituant avec finesse la fragilité et la détermination de son personnage. Pietro Marcello rend ainsi hommage à une pionnière du jeu théâtral moderne, dont l’influence dépasse largement les frontières italiennes. Une œuvre délicate et mélancolique, qui redonne toute sa place à une artiste majeure trop souvent restée dans l’ombre.

Julian, de Cato Kusters

Avec Julian, Cato Kusters signe un film profondément humain sur l’amour, la mémoire et le combat pour les droits des personnes homosexuelles. Le récit suit deux jeunes femmes qui décident de se marier et de porter leur engagement à travers plusieurs pays, confrontées aux différences de législation et de regard sur l’homosexualité. À travers ce parcours intime, le réalisateur aborde avec délicatesse la question du mariage pour tous et la nécessité d’une reconnaissance universelle. Entre voyages, maladie et souvenirs, le film construit une narration faite de fragments de vie et d’images qui témoignent de la force des sentiments face aux épreuves.

Porté par l’interprétation remarquable de Nina Meurisse, tout en retenue et en émotion, Julian entremêle habilement amour et douleur, absence et mémoire. Malgré une réalisation parfois proche des codes télévisuels, le film trouve progressivement sa justesse dans une mise en scène épurée, attentive aux regards et aux émotions. Sans jamais tomber dans le discours militant appuyé, Cato Kusters défend les valeurs de tolérance, de liberté et d’égalité. Il livre ainsi une œuvre bouleversante, à la fois intime et politique, qui rappelle que le droit d’aimer et de s’unir ne devrait connaître aucune frontière.

Mārama, de Taratoa Stappard

Avec Mārama, Taratoa Stappard signe un film d’épouvante teinté de fantastique, qui mêle habilement quête identitaire, mémoire ancestrale et héritage colonial. Située dans l’Angleterre du XIXe siècle, l’histoire suit Mary, une jeune orpheline d’origine maorie incarnée par Ariana Osborne, partie à la recherche de ses origines. Son enquête la conduit chez le capitaine Cole, un ancien baleinier installé dans un château, où elle découvre progressivement une vérité familiale particulièrement sombre. À travers des visions qui la relient aux souffrances de ses ancêtres, elle comprend que son passé dissimule une histoire de domination et de violence.

Entre suspense, atmosphère gothique et séquences fantastiques, le réalisateur construit un récit oppressant, soutenu par une photographie sombre, une musique inquiétante et une reconstitution historique soignée. Mais derrière les codes du cinéma d’horreur, Mārama développe une réflexion plus profonde sur l’identité culturelle, la colonisation et la transmission de la mémoire. Déchirée entre son éducation anglaise et ses racines maories, l’héroïne transforme progressivement sa peur en colère et en révolte. Son parcours devient alors une quête de justice et de réappropriation de son histoire familiale. Un film intense qui donne au fantastique une véritable portée politique et mémorielle.

Avignon, de Johann Dionnet

Récompensé du Grand Prix au Festival du film de comédie de l’Alpe d’Huez 2025, Avignon, premier long-métrage de Johann Dionnet, propose une comédie estivale pleine de charme, entre romance et passion théâtrale. Le film suit Stéphane, un comédien habitué au théâtre de boulevard, qui rejoint le célèbre festival d’Avignon avec sa troupe. Sa rencontre avec Fanny, une actrice reconnue, bouleverse son quotidien et le pousse à sortir de sa zone de confort. Pour la séduire, il va jusqu’à dissimuler ses habitudes artistiques et prétendre maîtriser les grands classiques du répertoire. À travers ce jeu de séduction et de quiproquos, le réalisateur plonge le spectateur dans l’effervescence des rues avignonnaises et les coulisses parfois chaotiques du festival.

Au-delà de son ressort romantique, Avignon offre un regard amusé sur la diversité du théâtre, opposant le boulevard populaire aux grandes œuvres classiques, sans jamais mépriser l’un ou l’autre. Entre petites compagnies fauchées, distribution de tracts et représentations improvisées, le film restitue avec justesse l’énergie et la convivialité de cet événement incontournable. Portée par une distribution enthousiaste, cette comédie bénéficie d’un rythme fluide, de dialogues savoureux et d’un humour fondé sur les situations plutôt que sur les effets faciles. Johann Dionnet signe ainsi un premier film généreux et rafraîchissant, qui célèbre avec tendresse le spectacle vivant et tous ceux qui le font exister.

Dangerous Animals, de Sean Byrne

Présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes 2025, Dangerous Animals, de Sean Byrne, revisite le film de requins à travers un thriller horrifique mêlant suspense, gore et psychopathie. L’histoire suit une jeune surfeuse capturée par un tueur en série qui prend un plaisir macabre à livrer ses victimes aux squales. Incarné par Jai Courtney, ce prédateur humain transforme son bateau en véritable piège flottant, dans une atmosphère poisseuse qui rappelle autant les classiques du cinéma des années 1970 que l’univers des films de serial killers. Mais face à cette folie meurtrière, son héroïne fait preuve d’un tempérament combatif et refuse de se laisser dominer.

Loin de se limiter à une simple histoire de requins, Sean Byrne déplace habilement la menace vers la monstruosité humaine, faisant de la psychopathie le véritable moteur du récit. Malgré un scénario relativement classique, le film séduit par son rythme soutenu, ses séquences sanglantes maîtrisées et l’interprétation convaincante de Jai Courtney. Entre huis clos maritime, thriller et body horror, le réalisateur détourne avec amusement les codes des Dents de la mer pour livrer une série B généreuse et efficace. Dangerous Animals assume pleinement son goût pour le cinéma de genre et offre un divertissement horrifique aussi tendu que réjouissant.

La Fille du Konbini, deYûho Ishibashi

Avec La Fille du Konbini, Yûho Ishibashi dresse le portrait sensible de Nozomi, une jeune Japonaise qui tente de se reconstruire après un burn-out provoqué par la pression de son ancien emploi dans une agence de publicité. Désormais employée dans une supérette de quartier, elle mène une existence solitaire, rythmée par le travail et les journées silencieuses dans son petit appartement. La rencontre fortuite avec une ancienne amie de collège va progressivement bouleverser son quotidien. À travers cette nouvelle amitié et les liens qu’elle noue avec ses collègues, Nozomi retrouve peu à peu le goût des relations humaines et l’espoir d’un nouveau départ. Le film décrit avec délicatesse les doutes et les fragilités qui accompagnent cette période de reconstruction.

Derrière cette chronique intimiste, la réalisatrice esquisse une critique de la culture du travail japonaise, marquée par une forte exigence de performance et une faible tolérance à l’épuisement. Nozomi doit réapprendre à trouver sa place, entre la sécurité d’un emploi modeste et la peur de retrouver les responsabilités qui l’ont conduite au burn-out. Porté par une mise en scène lente, épurée et contemplative, La Fille du Konbini donne une place importante à la solitude et aux petits gestes du quotidien. Sans jamais tomber dans le discours démonstratif, Yûho Ishibashi signe un film touchant et profondément humain sur la reconstruction personnelle, le besoin de lien social et la recherche d’un équilibre de vie.